tra pittura, memoria e realtà contemporanea
A Palazzo Grassi, nel cuore di Venezia, la pittura torna protagonista con The Promise of Change, la grande mostra dedicata a Michael Armitage, una delle voci più interessanti della scena artistica contemporanea. Nato a Nairobi nel 1984 e oggi attivo tra Kenya e Indonesia, l’artista costruisce immagini sospese tra realtà e visione, nelle quali la bellezza del colore convive con temi spesso drammatici: violenza, tensioni politiche, migrazione, disuguaglianze e abuso di potere.
Visitabile fino al 10 gennaio 2027, la mostra riunisce 45 dipinti, tra lavori storici e nuove produzioni, e oltre cento studi, offrendo un’ampia panoramica sulla ricerca sviluppata da Armitage nell’ultimo decennio. Il progetto, curato da Jean-Marie Gallais, porta il visitatore all’interno di una pittura apparentemente seducente, ma che lentamente rivela una realtà molto più complessa.
Installation views, Michael Armitage. The Promise of Change, 2026, Palazzo Grassi, Venezia. Ph. Marco Cappelletti Studio © Palazzo Grassi, Pinault Collection
Michael Armitage: dalla realtà alla visione
La pittura di Michael Armitage nasce spesso dall’osservazione di fatti reali.
Manifestazioni politiche, violenze, episodi di cronaca, migrazioni e trasformazioni sociali entrano nelle sue opere insieme a ricordi personali, letteratura, cinema, natura e storia dell’arte. L’Africa orientale, e in particolare il Kenya, occupa un posto centrale nel suo immaginario, ma le scene rappresentate superano progressivamente il contesto geografico da cui nascono.
Nel 2017, per esempio, Armitage seguì una squadra di giornalisti durante le proteste e la repressione legate alle elezioni presidenziali in Kenya. Altri dipinti prendono invece spunto dalla pandemia, dalle disuguaglianze sociali o dalla pericolosa traversata affrontata dai migranti nel tentativo di raggiungere l’Europa.
Questi avvenimenti non vengono però trasformati in una semplice documentazione pittorica. Una volta entrati nel dipinto, si mescolano con figure immaginarie, animali, paesaggi, simboli e riferimenti culturali, fino a diventare scene difficili da collocare con precisione.
È proprio questa ambiguità a rendere affascinanti le opere di Armitage: guardandole, non siamo mai completamente sicuri di ciò che stiamo osservando.
Il lubugo: una pittura che nasce dalla materia
Uno degli elementi più caratteristici del lavoro di Armitage è il supporto sul quale dipinge.
Al posto della tradizionale tela occidentale, l’artista utilizza spesso il lubugo, un tessuto ottenuto dalla corteccia dell’albero di mutuba attraverso un’antica lavorazione diffusa in Uganda. La corteccia viene rimossa, battuta e ammorbidita fino a trasformarsi in una superficie sulla quale è possibile dipingere.
Il materiale conserva però tutte le proprie imperfezioni: presenta buchi, pieghe, cuciture, strappi e variazioni di spessore che Armitage non cerca di nascondere. Al contrario, li integra nella composizione. Una lacerazione può attraversare un corpo, una cucitura può interrompere un paesaggio, una zona irregolare può modificare la direzione del dipinto.
La superficie diventa così parte attiva dell’opera.
La scelta del lubugo permette inoltre ad Armitage di prendere le distanze dalla tradizionale tela della pittura occidentale e di mettere in relazione linguaggi e tradizioni differenti. È un elemento fondamentale per comprendere il suo lavoro: la storia non si trova soltanto nelle immagini rappresentate, ma è presente anche nella materia stessa sulla quale vengono dipinte.
Installation views, Michael Armitage. The Promise of Change, 2026, Palazzo Grassi, Venezia. Ph. Marco Cappelletti Studio © Palazzo Grassi, Pinault Collection
Colori seducenti per raccontare realtà difficili
La prima cosa che colpisce davanti ai dipinti di Michael Armitage è spesso il colore.
Rosa, arancioni, verdi intensi, rossi, viola e blu profondi costruiscono paesaggi estremamente seducenti. A una prima osservazione, alcune tele possono apparire quasi gioiose o visionarie.
È avvicinandosi e soffermandosi sui dettagli che l’impressione cambia.
Dietro alla bellezza cromatica possono infatti nascondersi episodi di violenza politica, prostituzione, repressione, discriminazione o migrazione. È proprio questa contraddizione tra ciò che l’occhio percepisce inizialmente e ciò che il dipinto racconta a rendere particolarmente potente la sua pittura.
Nelle opere dedicate alle migrazioni, per esempio, la tavolozza cambia. I colori diventano più freddi, dominati da blu marini e tonalità notturne, mentre figure umane fragili si muovono all’interno di spazi quasi senza confini. Il mare può sembrare allo stesso tempo avvolgente e minaccioso, luogo di passaggio ma anche elemento capace di cancellare ogni certezza.
La pittura di Armitage non rinuncia quindi alla bellezza per affrontare temi difficili. Al contrario, utilizza proprio la sua forza seduttiva per costringerci a guardare più a lungo.
Tra Goya, cinema africano e storia dell’arte
La complessità delle opere nasce anche dall’enorme quantità di riferimenti utilizzati dall’artista.
Armitage guarda alla storia della pittura europea, da Francisco Goya a Théodore Géricault, Velázquez e Gauguin, ma allo stesso tempo dialoga con artisti dell’Africa orientale come Jak Katarikawe e Peter Mulindwa. Anche cinema e letteratura hanno un ruolo importante: tra le sue fonti compaiono i film del regista senegalese Ousmane Sembène e gli scritti dell’autore keniota Ngũgĩ wa Thiong’o. Questi riferimenti non vengono però citati in maniera letterale.
Armitage prende strutture compositive, gesti, figure o atmosfere e le inserisce all’interno di un nuovo linguaggio. Il risultato è una pittura nella quale differenti tradizioni artistiche convivono senza che una prevalga completamente sull’altra.
Anche per questo alcune delle sue grandi composizioni sembrano appartenere contemporaneamente a epoche diverse. Possono ricordare un dipinto storico o una grande pala d’altare e, nello stesso momento, derivare da un video apparso sui social media o da una fotografia di cronaca.
Installation views, Michael Armitage. The Promise of Change, 2026, Palazzo Grassi, Venezia. Ph. Marco Cappelletti Studio © Palazzo Grassi, Pinault Collection
Il disegno dietro alle grandi tele
Accanto ai dipinti, The Promise of Change dedica ampio spazio anche al disegno, con oltre cento studi che permettono di entrare nel processo creativo dell’artista.
Questa parte della mostra è particolarmente interessante perché rivela quanto le grandi composizioni, nonostante la loro apparente libertà, nascano da un lavoro continuo di osservazione e costruzione.
Corpi, animali, volti, paesaggi e movimenti vengono studiati prima di entrare nelle tele. Ma durante il processo pittorico tutto può ancora cambiare: il colore può coprire una figura, una forma può emergere da uno strato precedente e le caratteristiche irregolari del lubugo possono suggerire nuove direzioni.
Il dipinto rimane così un luogo aperto, nel quale figurazione e astrazione continuano a contendersi lo spazio.
The Promise of Change: quale cambiamento è ancora possibile?
Il titolo della mostra, The Promise of Change, introduce inevitabilmente una domanda.
La promessa del cambiamento può essere politica, sociale o personale, ma nelle opere di Armitage non appare mai come qualcosa di garantito. Le sue immagini raccontano spesso proprio il divario tra le aspettative generate dalla politica e ciò che accade realmente alle persone.
Eppure, nonostante la violenza e il disincanto presenti in molte opere, la mostra non restituisce una visione completamente pessimista.
La vitalità dei colori, la continua trasformazione delle immagini e la capacità di mettere in relazione culture e tradizioni differenti sembrano suggerire che la pittura possa ancora essere uno spazio attraverso cui osservare il presente e immaginare possibilità diverse.
Ed è forse questo l’aspetto che rende The Promise of Change particolarmente interessante. Armitage non utilizza la pittura per offrire risposte semplici né per trasformare l’opera in una dichiarazione politica immediata. Costruisce piuttosto immagini nelle quali realtà e immaginazione restano in tensione, lasciando allo spettatore il compito di muoversi tra i diversi significati.
A Palazzo Grassi il visitatore passa così continuamente dalla bellezza all’inquietudine, dalla seduzione del colore alla durezza delle storie rappresentate.
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